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Máscaras y esculturas animadas

"Los personajes animados de Disney tienen mucha expresividad, son animales, pero son animales muy humanos”, nos comenta Julie Taymor, directora del musical. "Tuve que conservar algunas características de los personajes de Disney, debido a que son muy reconocibles. Pero también, me inspiraron mucho las máscaras africanas, que son mucho más abstractas, estilizadas, más esenciales y menos suaves y redondeadas. Porque hacemos teatro tridimensional, no quería que los rostros se vieran planos, quería que tuvieran profundidad, como la tiene la madera. Así que utilicé la textura y materiales orgánicos como fibras, madera; cosas que harían que se viera menos como dibujos animados”.

"Como contraste al continuo cambio de expresión facial de la película de animación, una máscara proyecta una sola actitud fija. El escultor tiene solo una oportunidad para incorporar la ira, el humor y la pasión de un personaje para contar toda la historia. Pensé, ¿qué tal si creo unas máscaras gigantes que realmente sean Scar y Mufasa, pero que el rostro humano se revelara debajo, para así no perder la expresión facial humana y no esconder al actor? ".


LA CREACION DE LAS MASCARAS

Para crear las máscaras, las tallas y las figuras  de EL REY LEÓN, Taymor trabajó con Michael Curry, uno de los expertos en figuras y esculturas  animadas y más eminentes del país. Curry ya había trabajado con Taymor en varias de sus películas y óperas.

Si exploramos lo que hay detrás de esas técnicas, EL REY LEÓN se puede convertir en una experiencia más enriquecedora para los jóvenes. Es importante recalcar que Taymor y Curry estudiaron estas formas durante años, y utilizaron la tecnología que aprendieron como materia prima para crear las nuevas formas de EL REY LEÓN donde muchas máscaras africanas se confeccionan para ser utilizadas sobre la cabeza en lugar de sobre el rostro, sirviendo para muchos propósitos ceremoniales.

El Rey León. Julie Taymor en la creación de las máscaras

Julie Taymor en la creación de las máscaras

Hablé con Richard Hudson, el escenógrafo, y él dijo, de lo que trata el teatro es de que el público pueda llenar los espacios en blanco.
Tú les das un poco y ellos ven más.
Julie Taymor



EL ORIGEN DEL “DOBLE ACONTECIMIENTO”

La técnica BUNRAKU, llamada así por su creador Uemura Bunrakuken, esta forma de teatro japonesa data del siglo XVI. En el Bunraku, los artistas visibles para el público, controlan unas figuras de gran tamaño mientras el narrador cuenta la historia. Estas grandes tallas, que en ocasiones pueden llegar a medir hasta 1 metro y medio, están manipuladas por equipos de tres hombres. El más experto, el único que puede mostrar su rostro al público, maneja la cabeza y el brazo derecho. Los otros dos están completamente ocultos con ropa negra, uno controla la mano derecha con una vara y el otro las piernas.

A través de movimientos y gestos (y, como siempre, la imaginación del público), se alcanza una gran expresividad. Como los hombres son visibles, el espectador se puede concentrar en la historia o en la habilidad del artista. Con un poco de suerte, estas dos percepciones eventualmente se encauzan en una sola, en la apreciación del evento teatral.

Esta comunión en el escenario es a la que la directora se refiere siempre como  “Doble Acontecimiento”

“No necesito todos esos pelajes, no necesito literalmente las zarpas, solo la máscara y la historia, y dejar que el actor sugiera el movimiento de los hombros yendo hacia delante, eso transmite la fuerza, no es necesario poner toda la fuerza en hacer esto.”
Julie Taymor

El Rey León. Demostración de la técnica del Doble Acontecimiento

Demostración de la técnica del “Doble Acontecimiento”

 

 

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